音乐史上充满了伟大的创新时期，塑造了作曲家创作和音乐结构的方式。20 世纪最重要的发展之一是无调性的出现以及随后十二音技术的创造。本主题群深入探讨十二音技术的起源、原理和影响，探讨其与无调性的关系及其对音乐理论的影响。
无调性的兴起
无调性是西方古典音乐中的一个革命性概念，挑战了音调中心和传统和声进行的传统使用。向无调性的转变始于 19 世纪末和 20 世纪初，作曲家寻求新的方式来表达情感并尝试音乐语言。阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）、阿尔班·伯格（Alban Berg）和安东·韦伯恩（Anton Webern）等作曲家站在这一运动的最前沿，寻求摆脱调性的限制，探索不和谐音和半音阶的巨大可能性。
十二音技术的起源
在对无调性的探索中，阿诺德·勋伯格开发了十二音技术，作为一种在不建立音调中心的情况下组织音高材料的方法。该技术彻底背离了传统的音调和谐，引入了一种新的音高组织方法，并为完全不同的作曲过程铺平了道路。
十二音技巧的基本原理
十二音技术，也称为十二音，基于半音阶所有 12 个音高的特定排列，确保在所有其他 11 个音调发声之前不会重复音高。“无调行”或“音行”的概念成为使用十二音技术的作品的基本元素，决定了整个作品中音高的使用顺序。
除了音高的连续排序之外，勋伯格的十二音技术方法还强调所有 12 个音高的平等，谴责传统音调音乐中的等级关系。这种对音调材料的平等主义观点使得旋律、和声和整体音乐结构的构建获得了前所未有的自由。
无调性与十二音技巧的整合
虽然十二音技术作为一个独特的概念出现，但它与更广泛的无调性概念密切相关。无调性音乐中传统调性中心的缺失，为十二音技术的实施提供了肥沃的土壤，使作曲家能够在缺乏调性层次的情况下充分发掘其潜力。
作曲家开始尝试将无调性和十二音技术相结合，创作出展示这种革命性音乐组织方法的表现力的作品。这两个概念的融合导致了丰富多样的十二音作品的发展，每一个都探索了独特的声音景观并突破了传统音乐形式的界限。
对音乐理论和作曲的影响
十二音技术的引入对音乐理论和作曲产生了重大影响，促使学者和艺术家重新考虑调性、和声和音乐结构等基本概念。无调性和十二音曲目给理论家和教育工作者带来了新的挑战和机遇，导致了分析方法和教学方法的演变。
扩大音乐表达的范围
十二音技术的采用扩大了音乐表达的范围，为作曲家提供了组织和传达其艺术视野的另一种方式。通过将音调材料从调性的限制中解放出来，作曲家能够探索新的表达途径，融合不和谐音、半音阶以及非传统的旋律与和声关系。
这种表达可能性的扩展不仅影响了作曲过程，而且重新定义了听众的体验，挑战既定的期望并引发对错综复杂的音乐元素网络的更深入的参与。
遗产和持续的相关性
尽管最初围绕十二音技巧存在争议和辩论，但它对西方古典音乐进程的影响是深远的。该技术的遗产在后代作曲家的作品中显而易见，他们接受并扩展了其原则，进一步丰富了当代音乐的多样化景观。
此外，对无调性和十二音技术的持续探索和重新解释证明了它们在不断发展的音乐世界中的持久相关性。当代作曲家继续从这些开创性的概念中汲取灵感，延续创新和实验的传统。
结论
无调性背景下十二音技术的发展代表了对传统音乐实践的彻底背离，重塑了艺术景观并挑战了西方古典音乐的惯例。该主题群深入探讨了十二音技术的起源、原理和影响，阐明了它与无调性的关系及其对音乐理论和作曲的持久影响。